Yo voy soñando caminos
de la tarde. ¡Las colinas
doradas, los verdes pinos,
las polvorientas encinas!...
¿Adónde el camino irá?
Yo voy cantando, viajero,
a lo largo del sendero...
—La tarde cayendo está—.
En el corazón tenía
la espina de una pasión;
logré arrancármela un día;
ya no siento el corazón.
Y todo el campo un momento
se queda, mudo y sombrío,
meditando. Suena el viento
en los álamos del río.
La tarde más se oscurece;
y el camino se serpea
y débilmente blanquea,
se enturbia y desaparece.
Mi cantar vuelve a plañir:
Aguda espina dorada,
quién te volviera a sentir
en el corazón clavada.
—Antonio Machado
lunes, 28 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
86
Lady Madonna
Like many of McCartney’s finest songs, “Lady Madonna” is a tribute to working-class womanhood, expressed through Irish-Catholic imagery. “Lady Madonna’ started off as the Virgin Mary, then it was a working-class woman, of which obviously there’s millions in Liverpool,” he later said. “There are a lot of Catholics in Liverpool because of the Irish connection.” The Madonna of the song is a long-suffering but indestructible matriarch, as tough as the title character of “Eleanor Rigby,” yet as comforting as Mother Mary from “Let It Be.”
Musically, “Lady Madonna” has an earthier inspiration: the New Orleans piano boogie of Fats Domino. McCartney called it “a Fats Domino impression,” composed while trying to play something bluesy on the piano. The recorded version is a full-on tribute to the New Orleans R&B sound, with tootling saxophones. Domino must have taken it as a compliment. A few months after the song came out, he released his own cover version, which became the last Top 100 hit of his career.
Appears on Past Masters
Lady Madonna
Like many of McCartney’s finest songs, “Lady Madonna” is a tribute to working-class womanhood, expressed through Irish-Catholic imagery. “Lady Madonna’ started off as the Virgin Mary, then it was a working-class woman, of which obviously there’s millions in Liverpool,” he later said. “There are a lot of Catholics in Liverpool because of the Irish connection.” The Madonna of the song is a long-suffering but indestructible matriarch, as tough as the title character of “Eleanor Rigby,” yet as comforting as Mother Mary from “Let It Be.”
Musically, “Lady Madonna” has an earthier inspiration: the New Orleans piano boogie of Fats Domino. McCartney called it “a Fats Domino impression,” composed while trying to play something bluesy on the piano. The recorded version is a full-on tribute to the New Orleans R&B sound, with tootling saxophones. Domino must have taken it as a compliment. A few months after the song came out, he released his own cover version, which became the last Top 100 hit of his career.
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sábado, 26 de febrero de 2011
La verdad
La verdad es algo que ha de ser comprendido, que ha de ser descubierto en cada acción, en cada pensamiento, en cada sentimiento, por efímero y trivial que sea. La verdad es algo que hay que observar, que hay que escuchar: lo que dice su marido, lo que dice su esposa, lo que dice el jardinero, lo que dice su amigo o lo que es su propio pensamiento. Descubrir si es verdad lo que usted piensa —porque sus pensamientos pueden ser falsos o pueden estar condicionados—, descubrir que su pensamiento está condicionado, es la verdad. Descubrir que su pensamiento es limitado, es la verdad. Ese mismo descubrimiento libera a su mente de la limitación.
Si descubro que soy codicioso—descubrirlo, no que usted me lo diga—, ese mismo descubrimiento es la verdad, y esa misma verdad actúa sobre mi codicia. La verdad no es algo que se acumule, que se almacene, algo en lo que pueda confiar como si fuera una guía de instrucciones. Si lo hace así, eso será solamente otra forma de lo mismo, otra forma de posesión. Es muy difícil para la mente no adquirir, no almacenar. Cuando se dé cuenta de esto, vera qué cosa tan extraordinaria es la verdad.
J. Krishnamurti, Ser humano, págs. 41, 42
Si descubro que soy codicioso—descubrirlo, no que usted me lo diga—, ese mismo descubrimiento es la verdad, y esa misma verdad actúa sobre mi codicia. La verdad no es algo que se acumule, que se almacene, algo en lo que pueda confiar como si fuera una guía de instrucciones. Si lo hace así, eso será solamente otra forma de lo mismo, otra forma de posesión. Es muy difícil para la mente no adquirir, no almacenar. Cuando se dé cuenta de esto, vera qué cosa tan extraordinaria es la verdad.
J. Krishnamurti, Ser humano, págs. 41, 42
viernes, 25 de febrero de 2011
L'utile revenu du rasoir—Beaumarchais
Antonio, mestre perruquer,
ha sorprès la seva muller
en amorosa baralla
amb un tercer.
I el cap li talla
amb la navalla,
tot cridant: —Traïdora! Infidel!
I tot pensant: —Bonica i barata
obtinc així una testa model
per a l’escaparata.
—Pere Quart
ha sorprès la seva muller
en amorosa baralla
amb un tercer.
I el cap li talla
amb la navalla,
tot cridant: —Traïdora! Infidel!
I tot pensant: —Bonica i barata
obtinc així una testa model
per a l’escaparata.
—Pere Quart
Yo sé un himno gigante y extraño
Yo sé un himno gigante y extraño
Que anuncia en la noche del alma una aurora
Y estas páginas son de ese himno
Cadencias que el aire dilata en las sombras.
Yo quisiera escribirle, del hombre
Domando el rebelde, mezquino idioma,
Con palabras que fuesen a un tiempo
Suspiros y risas, colores y notas.
Pero en vano es luchar; que no hay cifra
Capaz de encerrarlo, y apenas ¡oh hermosa!
Si, teniendo en mi manos las tuyas,
Pudiera, al oirlo,c antártelo a solas.
—Gustavo Adolfo Bécquer
Que anuncia en la noche del alma una aurora
Y estas páginas son de ese himno
Cadencias que el aire dilata en las sombras.
Yo quisiera escribirle, del hombre
Domando el rebelde, mezquino idioma,
Con palabras que fuesen a un tiempo
Suspiros y risas, colores y notas.
Pero en vano es luchar; que no hay cifra
Capaz de encerrarlo, y apenas ¡oh hermosa!
Si, teniendo en mi manos las tuyas,
Pudiera, al oirlo,c antártelo a solas.
—Gustavo Adolfo Bécquer
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
87
Love Me Do
The Beatles’ first single, “Love Me Do,” was also one of the first songs Lennon and McCartney wrote together. They were just teenagers in 1958, scribbling songs in a school notebook, dreaming of stardom, always writing “Another Lennon-McCartney Original” at the top of the page. “Love Me Do” became their debut U.K. single in October 1962, with “P.S. I Love You” as the B side. It hit the charts and reached Number 17—not bad for a band of scruffy Liverpool lads. But when released in the U.S. with Beatlemania in full effect, it hit Number One.
The Beatles first cut the song during their audition for George Martin, with drummer Pete Best. Martin made them redo it with replacement Ringo Starr and again with a hired session drummer, when Martin demoted Starr to tambourine. “He’s never forgiven me for it,” Martin said, laughing. “I do apologize to him publicly.” But it was Martin’s idea to have Lennon add a harmonica solo. As McCartney recalled, “John expected to be in jail one day and he’d be the guy who played the harmonica.”
Appears on Past Masters and Please Please Me
Love Me Do
The Beatles’ first single, “Love Me Do,” was also one of the first songs Lennon and McCartney wrote together. They were just teenagers in 1958, scribbling songs in a school notebook, dreaming of stardom, always writing “Another Lennon-McCartney Original” at the top of the page. “Love Me Do” became their debut U.K. single in October 1962, with “P.S. I Love You” as the B side. It hit the charts and reached Number 17—not bad for a band of scruffy Liverpool lads. But when released in the U.S. with Beatlemania in full effect, it hit Number One.
The Beatles first cut the song during their audition for George Martin, with drummer Pete Best. Martin made them redo it with replacement Ringo Starr and again with a hired session drummer, when Martin demoted Starr to tambourine. “He’s never forgiven me for it,” Martin said, laughing. “I do apologize to him publicly.” But it was Martin’s idea to have Lennon add a harmonica solo. As McCartney recalled, “John expected to be in jail one day and he’d be the guy who played the harmonica.”
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Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
88
Rain
“Rain” is a Lennon song about nothing much—”People moaning because... they don’t like the weather,” he said. But the song, released months before Revolver as the B side to “Paperback Writer,” was the Beatles’ first public attempt to capture the LSD experience on record. They did it by infusing the track with tantalizing sounds— melting-chant harmonies, the brusque, leadlike flair of McCartney’s bass, Starr’s disorienting drum fills—and the promise of a realm beyond the usual senses. “I can show you,” Lennon sings, “can you hear me?”—as if he’s already got a head start. The most surreal effect was an accident: While stoned, Lennon threaded a rough mix the wrong way on his home tape recorder. He was thrilled with the backward vocals he heard—so thrilled he demanded the sound be used on the song’s fade-out. “From that point on,” engineer Geoff Emerick wrote, “almost every overdub we did on Revolver had to be tried backwards as well as forwards.”
Appears on Past Masters
Rain
“Rain” is a Lennon song about nothing much—”People moaning because... they don’t like the weather,” he said. But the song, released months before Revolver as the B side to “Paperback Writer,” was the Beatles’ first public attempt to capture the LSD experience on record. They did it by infusing the track with tantalizing sounds— melting-chant harmonies, the brusque, leadlike flair of McCartney’s bass, Starr’s disorienting drum fills—and the promise of a realm beyond the usual senses. “I can show you,” Lennon sings, “can you hear me?”—as if he’s already got a head start. The most surreal effect was an accident: While stoned, Lennon threaded a rough mix the wrong way on his home tape recorder. He was thrilled with the backward vocals he heard—so thrilled he demanded the sound be used on the song’s fade-out. “From that point on,” engineer Geoff Emerick wrote, “almost every overdub we did on Revolver had to be tried backwards as well as forwards.”
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martes, 22 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
89
Good Day Sunshine
“Good Day Sunshine” was McCartney’s attempt, one hot summer afternoon, to write a song in the vein of the Lovin’ Spoonful’s idyllic, old-fashioned “Daydream.” “That was our favorite record of theirs;’ McCartney said.
The song benefits from one of George Martin’s ingenious studio devices: recording specific parts at different tape speeds. Though McCartney handles the piano chords on “Good Day Sunshine,” Martin—an accomplished keyboardist who contributed to a number of Beatle recordings—is responsible for the slowed-down honky-tonk piano solo that follows the abbreviated second verse.
The result is a peppy break that sounds organic even though it’s the product of tape-manipulation trickery. Martin’s nuanced approach to recording technology—using it to serve the music, not as a gimmick—is arguably his biggest contribution to Revolver and everything that followed. “George Martin [was] quite experimental for who he was, a grown-up,” said McCartney.
Appears on Revolver
Good Day Sunshine
“Good Day Sunshine” was McCartney’s attempt, one hot summer afternoon, to write a song in the vein of the Lovin’ Spoonful’s idyllic, old-fashioned “Daydream.” “That was our favorite record of theirs;’ McCartney said.
The song benefits from one of George Martin’s ingenious studio devices: recording specific parts at different tape speeds. Though McCartney handles the piano chords on “Good Day Sunshine,” Martin—an accomplished keyboardist who contributed to a number of Beatle recordings—is responsible for the slowed-down honky-tonk piano solo that follows the abbreviated second verse.
The result is a peppy break that sounds organic even though it’s the product of tape-manipulation trickery. Martin’s nuanced approach to recording technology—using it to serve the music, not as a gimmick—is arguably his biggest contribution to Revolver and everything that followed. “George Martin [was] quite experimental for who he was, a grown-up,” said McCartney.
Appears on Revolver
lunes, 21 de febrero de 2011
Sé todos los cuentos
Yo no sé muchas cosas, es verdad.
Digo tan sólo lo que he visto.
Y he visto:
que la cuna del hombre la mecen con cuentos,
que los gritos de angustia del hombre los ahogan con cuentos,
que el llanto del hombre lo taponan con cuentos,
que los huesos del hombre los entierran con cuentos,
y que el miedo del hombre...
ha inventado todos los cuentos.
Yo no sé muchas cosas, es verdad,
pero me han dormido con todos los cuentos...
y sé todos los cuentos.
—León Felipe
Digo tan sólo lo que he visto.
Y he visto:
que la cuna del hombre la mecen con cuentos,
que los gritos de angustia del hombre los ahogan con cuentos,
que el llanto del hombre lo taponan con cuentos,
que los huesos del hombre los entierran con cuentos,
y que el miedo del hombre...
ha inventado todos los cuentos.
Yo no sé muchas cosas, es verdad,
pero me han dormido con todos los cuentos...
y sé todos los cuentos.
—León Felipe
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
90
The Long and Winding Road
McCartney wrote “The Long and Winding Road” as he watched the Beatles begin to spin out of control. In early 1969, creative and financial issues were fracturing the band. Lennon had already told the others that he was quitting, Starr had gone on a hiatus, and Harrison and McCartney disappeared for weeks. “It’s a sad song, because it’s all about the unattainable,” McCartney said. “I was a bit flipped out and tripped out at the time.”
Months after recording the poignant piano ballad, McCartney got a rude surprise: Producer Phil Spector, who had been given the tapes by Lennon, had reworked his take, adding a layer of strings and a choir. “It was an insult to Paul,” engineer Geoff Emerick recalled. “It was his record. And someone takes it out of the can and starts to overdub things without his permission.” Soon after, the acrimony became too much: In April 1970, McCartney released his first solo album and issued a statement announcing the end of the Beatles.
Appears on Let It Be
The Long and Winding Road
McCartney wrote “The Long and Winding Road” as he watched the Beatles begin to spin out of control. In early 1969, creative and financial issues were fracturing the band. Lennon had already told the others that he was quitting, Starr had gone on a hiatus, and Harrison and McCartney disappeared for weeks. “It’s a sad song, because it’s all about the unattainable,” McCartney said. “I was a bit flipped out and tripped out at the time.”
Months after recording the poignant piano ballad, McCartney got a rude surprise: Producer Phil Spector, who had been given the tapes by Lennon, had reworked his take, adding a layer of strings and a choir. “It was an insult to Paul,” engineer Geoff Emerick recalled. “It was his record. And someone takes it out of the can and starts to overdub things without his permission.” Soon after, the acrimony became too much: In April 1970, McCartney released his first solo album and issued a statement announcing the end of the Beatles.
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domingo, 20 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
91
Every Little Thing
The fond but self-centered lyrics of “Every Little Thing” celebrate the affections of McCartney’s girlfriend, Jane Asher, alternating between vows of love and bragging about “the things she does.” McCartney wrote the song while staying with Asher and her family in London; he and Lennon added finishing touches on tour in Atlantic City. McCartney said later that he thought “Every Little Thing” was “very catchy” but not what he hoped it would be. “Like most of the stuff I did, it was my attempt at the next single,” McCartney said. “But it became an album filler.”
Recording involved nine takes over the course of two days, including one outtake that dissolved into laughter. The finished track—a heartfelt, midtempo song, with a gorgeous melodic leap in the chorus—pulls switcheroos on a couple of the usual early Beatles routines. The main writer isn’t the lead singer; Lennon’s voice dominates. And Starr reached beyond his drum kit to play the booming timpani that jumps out midchorus.
Appears on Beatles for Sale
Every Little Thing
The fond but self-centered lyrics of “Every Little Thing” celebrate the affections of McCartney’s girlfriend, Jane Asher, alternating between vows of love and bragging about “the things she does.” McCartney wrote the song while staying with Asher and her family in London; he and Lennon added finishing touches on tour in Atlantic City. McCartney said later that he thought “Every Little Thing” was “very catchy” but not what he hoped it would be. “Like most of the stuff I did, it was my attempt at the next single,” McCartney said. “But it became an album filler.”
Recording involved nine takes over the course of two days, including one outtake that dissolved into laughter. The finished track—a heartfelt, midtempo song, with a gorgeous melodic leap in the chorus—pulls switcheroos on a couple of the usual early Beatles routines. The main writer isn’t the lead singer; Lennon’s voice dominates. And Starr reached beyond his drum kit to play the booming timpani that jumps out midchorus.
Appears on Beatles for Sale
En el día de su muerte a mano armada
Decidme de una vez si no fue alegre todo aquello
5 x 5 entonces no eran todavía 25
ni el alba había pensado en la negra existencia de los malos cuchillos.
Yo te juro a la luna no ser cocinero,
tú me juras a la luna no ser cocinera,
él nos jura a la luna no ser siquiera humo de tan tristísima cocina.
¿Quién ha muerto?
La oca está arrepentida de ser pato,
el gorrión de ser profesor de lengua china,
el gallo de ser hombre,
yo de tener talento y admirar lo desgraciada
que suele ser en el invierno la suela de un zapato.
A una reina se le ha perdido su corona,
a un presidente de república su sombrero, a mí...
Creo que a mí no se me ha perdido nada,
que a mí nunca se me ha perdido nada,
que a mí...
¿Qué quiere decir buenos días?
—Rafael Alberti
5 x 5 entonces no eran todavía 25
ni el alba había pensado en la negra existencia de los malos cuchillos.
Yo te juro a la luna no ser cocinero,
tú me juras a la luna no ser cocinera,
él nos jura a la luna no ser siquiera humo de tan tristísima cocina.
¿Quién ha muerto?
La oca está arrepentida de ser pato,
el gorrión de ser profesor de lengua china,
el gallo de ser hombre,
yo de tener talento y admirar lo desgraciada
que suele ser en el invierno la suela de un zapato.
A una reina se le ha perdido su corona,
a un presidente de república su sombrero, a mí...
Creo que a mí no se me ha perdido nada,
que a mí nunca se me ha perdido nada,
que a mí...
¿Qué quiere decir buenos días?
—Rafael Alberti
sábado, 19 de febrero de 2011
GIVE THEM ALL TO JESUS EVIE
Shattered dreams, wounded hearts, broken toys . . .
Give them all to Jesus!
Heritage Singers God's Wonderful People
My, my, this song brings back so many wonderful memories . . .
Resistencia a descansar
Todo debate sobre una «ética del trabajo» en nuestros días debe afrontar el problema de lo que se llama en los países anglosajones el «workaholism», una especie de enviciamiento en el trabajo. Bien sabe Dios que es un problema. Desde el principio de la creación Él nos dio remedios para curar esa humana tendencia a abusar del trabajo. Él mismo descansó en el séptimo día. En el Decálogo, nos ordenó: «Durante sets días se trabajará, pero el día séptimo es sábado de reposo, sábado consagrado a Yahvéh» (Ex 31,15). Santificando el sábado, nos indicaba que el trabajo proviene de ese culto. Para siempre se convirtió en un punto fijo de contraste para que la humanidad pudiera medir sus trabajos pasados y sus planes futuros. Dios nos mandaba que siempre tuviésemos tiempo para pararnos a pensar.
Sin embargo nosotros nos hemos quedado en el sexto día de la creación, que no puede facilitarnos la perspectiva del sentido de nuestras vidas, ni proporcionarnos un descanso decente. Hemos sucumbido al materialismo de la bestia del Apocalipsis, marcado repetidamente por el sexto día —666—, con su retorno perpetuo at mundo de la semana laboral como Bill Murray en la película El día de la marmota.
Cada año asistimos a la invención de nuevos dispositivos para ahorrar trabajo. Aunque estos inventos —teléfonos móviles, las teleconferencias, los PDA— pueden tener como resultado el que se extienda nuestra jornada laboral al tiempo que pasamos en el coche e incluso en casa, distrayéndonos de la familia, del paisaje y hasta de la carretera que tenemos delante. Si no obedecernos al mandamiento de santificar el día del Señor —y no tenemos tiempo para pararnos y pensar—, perdemos la capacidad para sentir el ser de Dios y su presencia, y no seremos capaces de adorarle. Con todo, como estamos hechos para la adoración, tenemos que adorar algo. Y acabamos adorando nuestro trabajo, y la verdadera adoración ya no nos dice nada, y llegamos a considerarla un fastidio.
A veces, mis amigos europeos se complacen en criticar la barbarie de la sociedad americana, con su severamente limitado número de días festivos. Pero los europeos, apenas son mejores: aunque dejan de trabajar respetuosamente en los grandes días de fiesta, tampoco es que llenen las iglesias. Adoran el ocio del mismo modo que los americanos adoran el trabajo. Es como si uno se entusiasmase con el día de su boda, sobre todo por el buen tiempo y la comida que habrá.
Insisto, si no seguimos el ritmo que Dios ha impuesto en la creación —el orden cósmico de trabajo y adoración— acabamos llevando una vida tan desfigurada que no es vida. El «trabajar para el fin de semana» . . . se ha extendido ahora al entero curso de la vida. Unos asesores de inversiones que conozco me hablaron de un fenómeno que encuentran con frecuencia: gente que trabaja frenéticamente para ahorrar para su jubilación, y caen muertos en cuanto dejan de trabajar. En un largo atardecer sabático, se encuentran tan perdidos como un pez sacado del agua.
El trabajo debe tener un fin recto. Por fin entiendo aquí no solo un punto de detención, aunque ese sea un componente necesario. Me refiero a un fin por el que valga la pena nuestro esfuerzo.
Para eso solo nos vale Dios. Tan cierto como que hemos sido creados para trabajar es que hemos sido creados en último término para adorarle. El trabajo debe manar de la adoración y debe ser empapado por ella.
Scott Hahn, Trabajo ordinario, gracia extraordinaria, págs. 60-62
Sin embargo nosotros nos hemos quedado en el sexto día de la creación, que no puede facilitarnos la perspectiva del sentido de nuestras vidas, ni proporcionarnos un descanso decente. Hemos sucumbido al materialismo de la bestia del Apocalipsis, marcado repetidamente por el sexto día —666—, con su retorno perpetuo at mundo de la semana laboral como Bill Murray en la película El día de la marmota.
Cada año asistimos a la invención de nuevos dispositivos para ahorrar trabajo. Aunque estos inventos —teléfonos móviles, las teleconferencias, los PDA— pueden tener como resultado el que se extienda nuestra jornada laboral al tiempo que pasamos en el coche e incluso en casa, distrayéndonos de la familia, del paisaje y hasta de la carretera que tenemos delante. Si no obedecernos al mandamiento de santificar el día del Señor —y no tenemos tiempo para pararnos y pensar—, perdemos la capacidad para sentir el ser de Dios y su presencia, y no seremos capaces de adorarle. Con todo, como estamos hechos para la adoración, tenemos que adorar algo. Y acabamos adorando nuestro trabajo, y la verdadera adoración ya no nos dice nada, y llegamos a considerarla un fastidio.
A veces, mis amigos europeos se complacen en criticar la barbarie de la sociedad americana, con su severamente limitado número de días festivos. Pero los europeos, apenas son mejores: aunque dejan de trabajar respetuosamente en los grandes días de fiesta, tampoco es que llenen las iglesias. Adoran el ocio del mismo modo que los americanos adoran el trabajo. Es como si uno se entusiasmase con el día de su boda, sobre todo por el buen tiempo y la comida que habrá.
Insisto, si no seguimos el ritmo que Dios ha impuesto en la creación —el orden cósmico de trabajo y adoración— acabamos llevando una vida tan desfigurada que no es vida. El «trabajar para el fin de semana» . . . se ha extendido ahora al entero curso de la vida. Unos asesores de inversiones que conozco me hablaron de un fenómeno que encuentran con frecuencia: gente que trabaja frenéticamente para ahorrar para su jubilación, y caen muertos en cuanto dejan de trabajar. En un largo atardecer sabático, se encuentran tan perdidos como un pez sacado del agua.
El trabajo debe tener un fin recto. Por fin entiendo aquí no solo un punto de detención, aunque ese sea un componente necesario. Me refiero a un fin por el que valga la pena nuestro esfuerzo.
Para eso solo nos vale Dios. Tan cierto como que hemos sido creados para trabajar es que hemos sido creados en último término para adorarle. El trabajo debe manar de la adoración y debe ser empapado por ella.
Scott Hahn, Trabajo ordinario, gracia extraordinaria, págs. 60-62
viernes, 18 de febrero de 2011
Cuanto tiempo fuiste dos
¡Cuánto tiempo fuiste dos!
Querías y no querías.
No eras como tu querer,
ni tu querer como tú.
¡Qué vaivén entre una y otra!
A los espejos del mundo,
al silencio, a los azares,
preguntabas cuál sería la mejor.
Inconstante de ti misma
siempre te estabas matando
tu mismo sí con tu no.
Y en el borde de los besos,
ni tu corazón ni el mía
sabía quién se acercaba:
si era la que tú querías
o la que quería yo.
Cuando estabais separadas,
como la flor de su flor,
¡qué lejos de ti tenía
que ir a buscarte el querer!
Él estaba por un lado.
Tu en otro.
Lo encontraba. Pero no
sabía estarme con él,
vivir así separados
o de tu amor o de ti.
Yo os quería a los dos.
Y por fin junto está todo.
Cara a cara te miraste,
la mirada en ti te vio:
eras ya la que querías.
Y ahora os beso a las dos
en ti sola.
Y esta paz de ser entero,
no sabe el alma quién la ganó:
si es que tu amor se parece
a ti, de tanto quererte,
o es que tú,
de tanto estarle queriendo
eres ya igual que tu amor.
—Pedro Salinas
Querías y no querías.
No eras como tu querer,
ni tu querer como tú.
¡Qué vaivén entre una y otra!
A los espejos del mundo,
al silencio, a los azares,
preguntabas cuál sería la mejor.
Inconstante de ti misma
siempre te estabas matando
tu mismo sí con tu no.
Y en el borde de los besos,
ni tu corazón ni el mía
sabía quién se acercaba:
si era la que tú querías
o la que quería yo.
Cuando estabais separadas,
como la flor de su flor,
¡qué lejos de ti tenía
que ir a buscarte el querer!
Él estaba por un lado.
Tu en otro.
Lo encontraba. Pero no
sabía estarme con él,
vivir así separados
o de tu amor o de ti.
Yo os quería a los dos.
Y por fin junto está todo.
Cara a cara te miraste,
la mirada en ti te vio:
eras ya la que querías.
Y ahora os beso a las dos
en ti sola.
Y esta paz de ser entero,
no sabe el alma quién la ganó:
si es que tu amor se parece
a ti, de tanto quererte,
o es que tú,
de tanto estarle queriendo
eres ya igual que tu amor.
—Pedro Salinas
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
92
Dig a Pony
This witty jumble of words was recorded at the Beatles’ rooftop performance, with an assistant holding up Lennon’s lyrics for him as a cue. “I roll a stoney/Well, you can imitate everyone you know,” Lennon sings. It might simply be an agreeable bit of nonsense (in 1980, Lennon dismissed “Dig a Pony” as “another piece of garbage”), or it might be a dart hurled at the Beatles’ chief rivals in English rock & roll, the Rolling Stones.
Lennon and McCartney wrote the Stones’ second single, 1964’s “I Wanna Be Your Man” (Lennon later wryly noted, “We weren’t going to give them anything great”), and Keith Richards had played with Lennon on the Stones’ Rock and Roll Circus in late 1968. But in an interview with ROLLING STONE in 1970, Lennon’s resentment spilled out: “I would like to just list what we did and what the Stones did two months after on every f*ckin’ album. Every f*ckin’ thing we did, Mick does exactly the same. They are not in the same class, musicwise or powerwise—never were.”
Appears on Let It Be
Dig a Pony
This witty jumble of words was recorded at the Beatles’ rooftop performance, with an assistant holding up Lennon’s lyrics for him as a cue. “I roll a stoney/Well, you can imitate everyone you know,” Lennon sings. It might simply be an agreeable bit of nonsense (in 1980, Lennon dismissed “Dig a Pony” as “another piece of garbage”), or it might be a dart hurled at the Beatles’ chief rivals in English rock & roll, the Rolling Stones.
Lennon and McCartney wrote the Stones’ second single, 1964’s “I Wanna Be Your Man” (Lennon later wryly noted, “We weren’t going to give them anything great”), and Keith Richards had played with Lennon on the Stones’ Rock and Roll Circus in late 1968. But in an interview with ROLLING STONE in 1970, Lennon’s resentment spilled out: “I would like to just list what we did and what the Stones did two months after on every f*ckin’ album. Every f*ckin’ thing we did, Mick does exactly the same. They are not in the same class, musicwise or powerwise—never were.”
Appears on Let It Be
jueves, 17 de febrero de 2011
Nocturno en que nada se oye
En medio de un silencio desierto como la calle antes del crimen
sin respirar siquiera para que nada turbe mi muerte
en esta soledad sin paredes
al tiempo que huyeron los ángulos
en la tumba del lecho dejo mi estatua sin sangre
para salir en un momento tan lento
en un interminable descenso
sin brazos que tender
sin dedos para alcanzar la escala que cae de un piano invisible
sin más que una mirada y una voz
que no recuerdan haber salido de ojos y labios
¿qué son labios? ¿qué son miradas que son labios?
y mi voz ya no es mía
dentro del agua que no moja
dentro del aire de vidrio
dentro del fuego lívido que corta como el grito
Y en el juego angustioso de un espejo frente a otro
cae mi voz
y mi voz que madura
y mi voz quemadura
y mi bosque madura
y mi voz quema dura
como el hielo de vidrio
como el grito de hielo
aquí en el caracol de la oreja
el latido de un mar en el que no sé nada
en el que no se nada
porque he dejado pies y brazos en la orilla
siento caer fuera de mí la red de mis nervios
mas huye todo como el pez que se da cuenta
hasta siento en el pulso de mis sienes
muda telegrafía a la que nadie responde
porque el sueño y la muerte nada tienen ya que decirse.
—Xavier Villaurrutia
sin respirar siquiera para que nada turbe mi muerte
en esta soledad sin paredes
al tiempo que huyeron los ángulos
en la tumba del lecho dejo mi estatua sin sangre
para salir en un momento tan lento
en un interminable descenso
sin brazos que tender
sin dedos para alcanzar la escala que cae de un piano invisible
sin más que una mirada y una voz
que no recuerdan haber salido de ojos y labios
¿qué son labios? ¿qué son miradas que son labios?
y mi voz ya no es mía
dentro del agua que no moja
dentro del aire de vidrio
dentro del fuego lívido que corta como el grito
Y en el juego angustioso de un espejo frente a otro
cae mi voz
y mi voz que madura
y mi voz quemadura
y mi bosque madura
y mi voz quema dura
como el hielo de vidrio
como el grito de hielo
aquí en el caracol de la oreja
el latido de un mar en el que no sé nada
en el que no se nada
porque he dejado pies y brazos en la orilla
siento caer fuera de mí la red de mis nervios
mas huye todo como el pez que se da cuenta
hasta siento en el pulso de mis sienes
muda telegrafía a la que nadie responde
porque el sueño y la muerte nada tienen ya que decirse.
—Xavier Villaurrutia
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
93
Sexy Sadie
Lennon left India abruptly after hearing stories about the Maharishi Mahesh Yogi’s sexual impropriety with female students. While he and Harrison were waiting for a ride out of Rishikesh, Lennon composed this biting denunciation of his guru. He later told ROLLING STONE that when the Maharishi asked why the pair were leaving, he replied, “Well, if you’re so cosmic, you’ll know why.”
The initial version of “Maharishi,” as the song was originally called, was even nastier (“You little twat/ Who the f**k do you think you are?”); at Harrison’s suggestion, Lennon changed the title to “Sexy Sadie.” The other Beatles were nowhere near as vehement about repudiating the Maharishi. “It’s really funny, John’s reaction to this sexual thing,” McCartney said. “It seemed a little prudish to me.” Harrison, who swore the gossip about the Maharishi’s sexual misconduct was not true, was even more sanguine: “There were a lot of flakes [in Rishikesh]. Some of them were us.”
Appears on The Beatles
Sexy Sadie
Lennon left India abruptly after hearing stories about the Maharishi Mahesh Yogi’s sexual impropriety with female students. While he and Harrison were waiting for a ride out of Rishikesh, Lennon composed this biting denunciation of his guru. He later told ROLLING STONE that when the Maharishi asked why the pair were leaving, he replied, “Well, if you’re so cosmic, you’ll know why.”
The initial version of “Maharishi,” as the song was originally called, was even nastier (“You little twat/ Who the f**k do you think you are?”); at Harrison’s suggestion, Lennon changed the title to “Sexy Sadie.” The other Beatles were nowhere near as vehement about repudiating the Maharishi. “It’s really funny, John’s reaction to this sexual thing,” McCartney said. “It seemed a little prudish to me.” Harrison, who swore the gossip about the Maharishi’s sexual misconduct was not true, was even more sanguine: “There were a lot of flakes [in Rishikesh]. Some of them were us.”
Appears on The Beatles
miércoles, 16 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
94
You Wont See Me
On the night of November 11th, 1965, The Beatles were in a bind. The deadline for completing Rubber Soul was upon them, and they needed to record three songs that evening to wrap up the album. On top of that, McCartney was having problems with his girlfriend, Jane Asher: He was upset that the actress had moved to Bristol to join the Old Vic theater company. Out of McCartney’s anger came “You Won’t See Me,” which finds him spitting out, albeit in his nice-guy way, some of his most bitter lyrics: “Time after time, you refuse to even listen/I wouldn’t mind if I knew what I was missing,” he grouses. As cranky as the lyrics are, the music behind them is positively bouncy, buoyed by Starr’s inventive drumming and a melody and bass line that are an obvious homage to Four Tops singles such as “I Can’t Help Myself.” “To me, it was very Motown-flavored,” said McCartney later. “It’s got a James Jamerson feel.” The Beatles were in such a rush to get the song over with that they cut it in only two takes.
Appears on Rubber Soul
You Wont See Me
On the night of November 11th, 1965, The Beatles were in a bind. The deadline for completing Rubber Soul was upon them, and they needed to record three songs that evening to wrap up the album. On top of that, McCartney was having problems with his girlfriend, Jane Asher: He was upset that the actress had moved to Bristol to join the Old Vic theater company. Out of McCartney’s anger came “You Won’t See Me,” which finds him spitting out, albeit in his nice-guy way, some of his most bitter lyrics: “Time after time, you refuse to even listen/I wouldn’t mind if I knew what I was missing,” he grouses. As cranky as the lyrics are, the music behind them is positively bouncy, buoyed by Starr’s inventive drumming and a melody and bass line that are an obvious homage to Four Tops singles such as “I Can’t Help Myself.” “To me, it was very Motown-flavored,” said McCartney later. “It’s got a James Jamerson feel.” The Beatles were in such a rush to get the song over with that they cut it in only two takes.
Appears on Rubber Soul
martes, 15 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
95
Any Time at All
“Any Time at All” shows how much The Beatles learned from their hero Buddy Holly. The song has all the Holly trademarks—the jangling guitars, the openhearted generosity of the lyric, the urgent emotion in the voices. It’s a pledge of 24-hour devotion to a girl, with Lennon speaking his mind in a brash way (“Call me tonight, and I’ll come to you”) that would have made Holly proud—even though Lennon himself wasn’t thrilled with the results. (He dismissed the song as my “effort at [re]writing “It Won’t Be Long.”)
If the Beatles play the song like they’re in a hurry, it’s because they were—this was recorded on the last day of the sessions for A Hard Day’s Night, before they departed for a monthlong tour. (Unfortunately, the morning after they cut “Any Time at All,” Ringo collapsed with tonsillitis and pharyngitis, so they went to Denmark with a replacement drummer.) “Any Time at All” reprises a George Martin trick from “A Hard Day’s Night” by using a piano solo echoed lightly note-for-note on guitar by Harrison. Never a hit, “Any Time at All” became a fan favorite.
Appears on A Hard Day’s Night
Any Time at All
“Any Time at All” shows how much The Beatles learned from their hero Buddy Holly. The song has all the Holly trademarks—the jangling guitars, the openhearted generosity of the lyric, the urgent emotion in the voices. It’s a pledge of 24-hour devotion to a girl, with Lennon speaking his mind in a brash way (“Call me tonight, and I’ll come to you”) that would have made Holly proud—even though Lennon himself wasn’t thrilled with the results. (He dismissed the song as my “effort at [re]writing “It Won’t Be Long.”)
If the Beatles play the song like they’re in a hurry, it’s because they were—this was recorded on the last day of the sessions for A Hard Day’s Night, before they departed for a monthlong tour. (Unfortunately, the morning after they cut “Any Time at All,” Ringo collapsed with tonsillitis and pharyngitis, so they went to Denmark with a replacement drummer.) “Any Time at All” reprises a George Martin trick from “A Hard Day’s Night” by using a piano solo echoed lightly note-for-note on guitar by Harrison. Never a hit, “Any Time at All” became a fan favorite.
Appears on A Hard Day’s Night
lunes, 14 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
96
Within You, Without You
Harrison had been obsessed with the sitar since he saw one on the set of Help! in 1965. But it wasn’t until he went to India in 1966 to study with sitar master Ravi Shankar that he became truly skilled at it. Harrison often practiced eight hours a day while in India. “George’s passion for the music amazed me,” Shankar said.
“Within You Without You” was the first fruit of Harrison’s studies. Augmenting his sitar with an 11-piece string section and Indian instrumentation, it was a magnetic sermon on spirituality. “It’s one of my favorite [songs] of his,” Lennon said. “His mind and music are clear . . . . He brought that sound together.”
Harrison’s devotion to the sound and spirit of India lingered, blooming over his solo masterwork, All Things Must Pass. “Till the day I die,” Harrison told ROLLING STONE in 1968, “I believe [Indian music] is the greatest music ever on our level of existence.”
Appears on Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
Within You, Without You
Harrison had been obsessed with the sitar since he saw one on the set of Help! in 1965. But it wasn’t until he went to India in 1966 to study with sitar master Ravi Shankar that he became truly skilled at it. Harrison often practiced eight hours a day while in India. “George’s passion for the music amazed me,” Shankar said.
“Within You Without You” was the first fruit of Harrison’s studies. Augmenting his sitar with an 11-piece string section and Indian instrumentation, it was a magnetic sermon on spirituality. “It’s one of my favorite [songs] of his,” Lennon said. “His mind and music are clear . . . . He brought that sound together.”
Harrison’s devotion to the sound and spirit of India lingered, blooming over his solo masterwork, All Things Must Pass. “Till the day I die,” Harrison told ROLLING STONE in 1968, “I believe [Indian music] is the greatest music ever on our level of existence.”
Appears on Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
domingo, 13 de febrero de 2011
El poder de la oración
En un estudio realizado con 393 pacientes de la Unidad de Cuidados Coronarios del Hospital General de San Francisco a fin de evaluar el poder de la oración, los participantes rezaron por pacientes escogidos al azar.
Los resultados no son sorprendentes: los pacientes por los cuales se rezó necesitaron menos resucitación cardiopulmonar y requirieron de menos respiradores artificiales. No necesitaron tantos antibióticos y menos de ellos fallecieron.
En otro estudio efectuado en el Centro Médico de la Universidad de Duke en Carolina del Norte, entre más de 4.000 participantes se concluyó que los que rezaron tenían la presión arterial más baja que los que no lo hicieron. Según el estudio, tenían un 40 por ciento menos probabilidades de padecer de hipertensión. En un estudio realizado entre personas que se recuperaban de la drogadicción, se halló que los niveles más altos de fe y espiritualidad estaban asociados con varios efectos positivos, entre ellos, una mayor resistencia al estrés. Los resultados del estudio mostraron que un nivel más alto de fe y espiritualidad está relacionado con una mayor capacidad para afrontar problemas y niveles más bajos de ansiedad.
La oración no es solo para pedirle ayuda a un poder supremo. Parte de la oración es darle gracias a ese poder por lo que la vida te ha brindado, ya sea una cena llena de comida rica o la riqueza de estar rodeado por una familia llena de amor. Si anotas esas cosas por las cuales estás agradecido, no solo te ayudará a sentirte más feliz sino que, según un estudio hecho en la Universidad de California-Davis, te puede mejorar la salud física, aumentar tus niveles de energía y, en ciertos casos, aliviar el dolor y la fatiga.
Isabel Gómez Bassols, Los siete pasos para ser más feliz, págs. 207, 208
Los resultados no son sorprendentes: los pacientes por los cuales se rezó necesitaron menos resucitación cardiopulmonar y requirieron de menos respiradores artificiales. No necesitaron tantos antibióticos y menos de ellos fallecieron.
En otro estudio efectuado en el Centro Médico de la Universidad de Duke en Carolina del Norte, entre más de 4.000 participantes se concluyó que los que rezaron tenían la presión arterial más baja que los que no lo hicieron. Según el estudio, tenían un 40 por ciento menos probabilidades de padecer de hipertensión. En un estudio realizado entre personas que se recuperaban de la drogadicción, se halló que los niveles más altos de fe y espiritualidad estaban asociados con varios efectos positivos, entre ellos, una mayor resistencia al estrés. Los resultados del estudio mostraron que un nivel más alto de fe y espiritualidad está relacionado con una mayor capacidad para afrontar problemas y niveles más bajos de ansiedad.
La oración no es solo para pedirle ayuda a un poder supremo. Parte de la oración es darle gracias a ese poder por lo que la vida te ha brindado, ya sea una cena llena de comida rica o la riqueza de estar rodeado por una familia llena de amor. Si anotas esas cosas por las cuales estás agradecido, no solo te ayudará a sentirte más feliz sino que, según un estudio hecho en la Universidad de California-Davis, te puede mejorar la salud física, aumentar tus niveles de energía y, en ciertos casos, aliviar el dolor y la fatiga.
Isabel Gómez Bassols, Los siete pasos para ser más feliz, págs. 207, 208
sábado, 12 de febrero de 2011
La Esperanza Cristiana
Los cristianos solo conocemos al Dios de la esperanza tal como éste se ha revelado en Jesús. Sin embargo, posee un estatuto epistemológico diferente. En su radicalidad última, la esperanza cristiana debe ser definida como una realidad escatológica que restituye la vida a las generaciones torturadas y sacrificadas. Tiene que ver con el destino final del hombre, con la posibilidad de que su muerte no lo reduzca a la nada. La esperanza cristiana intenta inscribir a la muerte en un marco de dramaticidad no absoluta. El evangelista Marcos dice que Jesús murió dando un «grito fuerte», pero invocando a Dios. Es precisamente lo que entendemos por dramaticidad no absoluta. En ultimo término, la esperanza cristiana postula un más allá que conjugue la ruptura con la continuidad. Espera la resurrección de los muertos. Y la espera como una nueva creación, libre ya de la negatividad que aqueja a toda realización humana; pero esa nueva creación tendrá a este mundo como referente último. Es decir, resucitarán los hombres concretos que han vivido aquí. Y resucitarán como hombres, es decir, como seres abiertos a la fe, la esperanza y el amor. El amor será lo más importante, como ahora. Pero una vida de la que estuvieran ausentes la fe y la esperanza no estaría en continuidad con el rostro que ha cobrado la vida en el planeta Tierra.
La esperanza cristiana se atreve a adentrarse en este universo de afirmaciones paradójicas porque cree que Dios ha resucitado a Jesús de Nazaret y que esa resurrección se hará extensiva a toda la humanidad. Pero es bien consciente de que ésa es su fe. Fe que intenta hacer plausible a todos, pero que no cae en la tentación de querer probar. El contenido escatológico de la fe cristiana no es un producto de la razón instrumental. De ahí que una excesiva familiaridad con expresiones como «resurrección de los muertos», «vida eterna», etc., dando por supuesto que su realidad es evidente, pueda empobrecer su contenido. Es mejor hablar de ellas con «temor y temblor». O no hablar. La última palabra la tiene aquí el misterio. Y el misterio ama el silencio.
Pero el cristiano piensa que, en tema tan central, no ha llegado aún la hora del silencio. Es necesario, como lo hicieron generaciones pasadas, seguir confiando en la palabra, a pesar de su ambigüedad y de su alcance limitado. Y, en el tema de la esperanza cristiana, la palabra se convierte en una inmensa evocación. Es la hora de dar la razón a Feuerbach, a Marx, a Nietzsche, a Freud, a Bloch, a Horkheimer… y a tantos otros: la esperanza cristiana, cifrada en una especie de reconstrucci6n total, de curación radical, de salvación serena y universal, de nuevo equilibrio sin exclusiones ni privilegios, es un inmenso deseo, un postulado de la razón práctica (Kant), una protesta contra la miseria real de este mundo (Marx). ¿Qué queda?, se han preguntado los hombres de todos los tiempos. ¿Quién garantiza nueva profusión de luz después de la obligada tiniebla del sepulcro? ¿Dónde buscar la necesaria motivación para la apuesta? (Pascal). ¿Cómo esperar contra toda esperanza? (Pablo).
Manuel Faijo, Jesús y los marginados, págs. 250, 251
La esperanza cristiana se atreve a adentrarse en este universo de afirmaciones paradójicas porque cree que Dios ha resucitado a Jesús de Nazaret y que esa resurrección se hará extensiva a toda la humanidad. Pero es bien consciente de que ésa es su fe. Fe que intenta hacer plausible a todos, pero que no cae en la tentación de querer probar. El contenido escatológico de la fe cristiana no es un producto de la razón instrumental. De ahí que una excesiva familiaridad con expresiones como «resurrección de los muertos», «vida eterna», etc., dando por supuesto que su realidad es evidente, pueda empobrecer su contenido. Es mejor hablar de ellas con «temor y temblor». O no hablar. La última palabra la tiene aquí el misterio. Y el misterio ama el silencio.
Pero el cristiano piensa que, en tema tan central, no ha llegado aún la hora del silencio. Es necesario, como lo hicieron generaciones pasadas, seguir confiando en la palabra, a pesar de su ambigüedad y de su alcance limitado. Y, en el tema de la esperanza cristiana, la palabra se convierte en una inmensa evocación. Es la hora de dar la razón a Feuerbach, a Marx, a Nietzsche, a Freud, a Bloch, a Horkheimer… y a tantos otros: la esperanza cristiana, cifrada en una especie de reconstrucci6n total, de curación radical, de salvación serena y universal, de nuevo equilibrio sin exclusiones ni privilegios, es un inmenso deseo, un postulado de la razón práctica (Kant), una protesta contra la miseria real de este mundo (Marx). ¿Qué queda?, se han preguntado los hombres de todos los tiempos. ¿Quién garantiza nueva profusión de luz después de la obligada tiniebla del sepulcro? ¿Dónde buscar la necesaria motivación para la apuesta? (Pascal). ¿Cómo esperar contra toda esperanza? (Pablo).
Manuel Faijo, Jesús y los marginados, págs. 250, 251
viernes, 11 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
97
All I’ve Got to Do
“Smokey Robinson was like God in our eyes,” McCartney once said. And nowhere was Robinson’s divine presence more felt than on With the Beatles. The album features the band’s cover of “You Really Got a Hold on Me,” as well as Lennon’s “Not a Second Time” and “All I’ve Got to Do," which Lennon described as “me trying to do Smokey Robinson.” “All I’ve Got to Do” is one of the most soulful songs of the early Beatles originals: With its plaintive vocal, it recalls the Miracles’ “(You Can) Depend on Me,” especially when Lennon’s voice soars through the bridge. Robinson cast a wide shadow on the Beatles long after they split: In the Seventies, Harrison wrote a tribute called “Pure Smokey,” and Lennon admitted that he was still trying to sing like Robinson during the Double Fantasy sessions.
Appears on With the Beatles
All I’ve Got to Do
“Smokey Robinson was like God in our eyes,” McCartney once said. And nowhere was Robinson’s divine presence more felt than on With the Beatles. The album features the band’s cover of “You Really Got a Hold on Me,” as well as Lennon’s “Not a Second Time” and “All I’ve Got to Do," which Lennon described as “me trying to do Smokey Robinson.” “All I’ve Got to Do” is one of the most soulful songs of the early Beatles originals: With its plaintive vocal, it recalls the Miracles’ “(You Can) Depend on Me,” especially when Lennon’s voice soars through the bridge. Robinson cast a wide shadow on the Beatles long after they split: In the Seventies, Harrison wrote a tribute called “Pure Smokey,” and Lennon admitted that he was still trying to sing like Robinson during the Double Fantasy sessions.
Appears on With the Beatles
jueves, 10 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
98
Long, Long, Long
“Long, long, long” seems like a love song—”How l want you/How l love you/You know that I need you”—but the object of Harrison’s affections was God. “I believe in the saying ‘If there’s a God, we must see him:” Harrison said in 1969. He based the song on Bob Dylan’s “Sad-Eyed Lady of the Lowlands”—”those three chords and the way they moved.” Though Lennon was blatantly enamored of Dylan early on, Harrison was the true Dylanphile. (“George quoted Bob like people quote Scripture,” Tom Petty told ROLLING STONE.) Soon after the White Album came out, Harrison was in Woodstock, New York, spending Thanksgiving with Dylan and the Band. He and Dylan wrote “I’d Have You Anytime,” which became the first track on All Things Must Pass and the first step toward a lasting friendship.
Appears on The Beatles [White Album]
Long, Long, Long
“Long, long, long” seems like a love song—”How l want you/How l love you/You know that I need you”—but the object of Harrison’s affections was God. “I believe in the saying ‘If there’s a God, we must see him:” Harrison said in 1969. He based the song on Bob Dylan’s “Sad-Eyed Lady of the Lowlands”—”those three chords and the way they moved.” Though Lennon was blatantly enamored of Dylan early on, Harrison was the true Dylanphile. (“George quoted Bob like people quote Scripture,” Tom Petty told ROLLING STONE.) Soon after the White Album came out, Harrison was in Woodstock, New York, spending Thanksgiving with Dylan and the Band. He and Dylan wrote “I’d Have You Anytime,” which became the first track on All Things Must Pass and the first step toward a lasting friendship.
Appears on The Beatles [White Album]
miércoles, 9 de febrero de 2011
Rolling Stone The Beatles 100 Greatest Songs
99
Yes, It Is
As he was with much of his early work, Lennon was dismissive of “Yes It Is”; he said it was “me trying a rewrite of ‘This Boy,’ but it didn’t work.” But “Yes It Is” features some of the most intricate vocals of any Beatles song; like “This Boy,” it was an attempt to mimic the three-part harmonies of Smokey Robinson and the Miracles. It took Lennon, McCartney and Harrison multiple takes to nail the song’s delicate mix of voices.
In the lyrics, Lennon showed the honesty that would mark his songwriting after 1965: His “pride” is the reason he can let go of a lost love. McCartney liked “Yes It Is”: “[It’s] a very fine song of John’s, a ballad, unusual for him,” he said. “I was there writing it with John, but it was his inspiration.” Harrison used an early effects pedal to add gentle sobs of pedal-steel-like guitar, giving it a subtle Nashville spin.
Appears on Past Masters
Yes, It Is
As he was with much of his early work, Lennon was dismissive of “Yes It Is”; he said it was “me trying a rewrite of ‘This Boy,’ but it didn’t work.” But “Yes It Is” features some of the most intricate vocals of any Beatles song; like “This Boy,” it was an attempt to mimic the three-part harmonies of Smokey Robinson and the Miracles. It took Lennon, McCartney and Harrison multiple takes to nail the song’s delicate mix of voices.
In the lyrics, Lennon showed the honesty that would mark his songwriting after 1965: His “pride” is the reason he can let go of a lost love. McCartney liked “Yes It Is”: “[It’s] a very fine song of John’s, a ballad, unusual for him,” he said. “I was there writing it with John, but it was his inspiration.” Harrison used an early effects pedal to add gentle sobs of pedal-steel-like guitar, giving it a subtle Nashville spin.
Appears on Past Masters
martes, 8 de febrero de 2011
Rolling Stone: The Beatles 100 Greatest Songs
100
Hello, Goodbye
McCartney never claimed that the irresistibly bouncy “Hello, Goodbye” was his most profound songwriting moment. “It’s just a song of duality, with me advocating the more positive;’ he said. Brian Epstein’s assistant Alistair Taylor remembered McCartney getting the idea while demonstrating how to write a song: “He had a marvelous old hand-carved harmonium. [He told me to] hit any note on the keyboard... and I’ll do the same. Whenever I shout out a word, you shout the opposite, and I’ll make up a tune. ‘Black; he started. ‘White,’ I replied. ‘Yes: No. ‘Hello: ‘Goodbye:” Although the song would be Number One for three weeks in the U.S. and for seven weeks in the U.K., Lennon was not impressed. “[‘I Am the Walrus’] was the B side to ‘Hello, Goodbye,” he said incredulously. “Can you believe it?”
Appears on Magical Mystery Tour
Hello, Goodbye
McCartney never claimed that the irresistibly bouncy “Hello, Goodbye” was his most profound songwriting moment. “It’s just a song of duality, with me advocating the more positive;’ he said. Brian Epstein’s assistant Alistair Taylor remembered McCartney getting the idea while demonstrating how to write a song: “He had a marvelous old hand-carved harmonium. [He told me to] hit any note on the keyboard... and I’ll do the same. Whenever I shout out a word, you shout the opposite, and I’ll make up a tune. ‘Black; he started. ‘White,’ I replied. ‘Yes: No. ‘Hello: ‘Goodbye:” Although the song would be Number One for three weeks in the U.S. and for seven weeks in the U.K., Lennon was not impressed. “[‘I Am the Walrus’] was the B side to ‘Hello, Goodbye,” he said incredulously. “Can you believe it?”
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